Henry Purcell, le King du semi-opéra

Le semi-opéra est un genre hybride entre le théâtre et l'opéra. Il était à la mode au XVIème siècle en Angleterre.

King Arthur est donc un semi-opéra. Les principaux personnages ne chantent pas une seule note. Impossible, par conséquent, de comprendre l’intrigue en écoutant seulement la musique. Les chanteurs sont ceux qui ne participent pas directement à l'intrigue : prêtres et guerriers (acte I), bergers (acte II), le dieu Amour et le Génie du froid (acte III), des Sirènes, des Nymphes et des Sylvains (acte IV). Enfin, un cortège de dieux et d'allégories évoqué par Merlin au dernier acte.

"King Arthur" King Arthur (Le Roi Arthur), sous-titré The British Worthy (Le Preux breton), opéra en cinq actes, fut donné pour la première fois en mai ou juin 1691 au Théâtre Dorset Garden de Londres. Encouragé par le succès de Dioclétien,Thomas Betterton s’assura de la collaboration de son ami John Dryden pour le livret et de Purcell pour la musique.

L'air de la scène du froid

Passons directement à l'acte III du Roi Arthur pour écouter ce "let me, let me fre-e-eze !"

Récit :

Le Saxon Oswald a enlevé Emmeline à Arthur. Son fort est imprenable, protégé par les sortilèges d'Osmond (magicien d'Oswald) que Merlin ne peut défaire. Merlin promet à Arthur de le conduire à sa bien-aimée et de lui faire recouvrer la vue à l'aide d'un breuvage. Il y parvient. Emmeline voit le visage d'Arthur. Arthur doit fuir Osmond et laisser Emmeline qui est en proie à de sortilèges invincibles.

Osmond trouve Emmeline. Il est amoureux d'elle. Il décide de lui montrer le pouvoir du dieu de l'amour dans les contrées les plus froides du globe en lui faisant apparaître un paysage glacé. Cupidon va réveiller le Génie du froid puis tout le peuple du froid est convié et danse en hommage à l'amour. Emmeline admet qu'elle se réjouit du spectacle mais déplore qu'il soit d'Osmond. Celui se fâche et veut la violer. Mais il est interrompu par les cris de Grimbald qui, prisonnier d'un sort jeté par Philidel, l'appelle à son secours.

Musique :

La scène du froid s’apparente au genre traditionnel du masque, et plus précisément du masque Stuart, cet équivalent anglais du ballet de cour français. Après l’air joyeux de Cupidon (« what ho, thou genius of this isle »), le génie du froid pousse son chant glacial « what power art thou »...

Le chœur chante « See, see, we assemble  » : le peuple du froid s’assemble mais grelotte toujours. On a cherché à établir une analogie entre cette scène et celle d’Isis, la tragédie de Quinault et Lully (1677) : le « chœur des trembleurs » d’Isis rappelle celui d’Arthur. Mais si Purcell a pris ici Lully comme modèle, il s’en distingue musicalement.

N'est-ce pas, ça caille ! Cette question me sert de transition vers la passacaille de l'acte IV.

La grande passacaille

La pièce musicale peut-être la plus heureuse de la pièce.

« How happy the lover » : Le modèle de cette longue passacaille semble être l’immense « Chacon » de Louis Grabu (« Albion et Albanius », 1685, acte II), elle-même inspirée de passacailles de Lully dont l’imposante passacaille de la tragédie d’Amadis (1684). Ou l’inspiration serait directement tirée d’Armide (1686) de Lully. Comme dans Armide, cette passacaille a pour fonction de rendre le chevalier prisonnier de ses sens.

Les chansons à boire

Purcell était aussi un habitué des tavernes et chantait avec ses compagnons des catches (chansons à boire). Il en composait aussi. L'une se ses compositions joyeuses se trouve à l'acte V du Roi Arthur. Comus et les paysans entonnent une chanson à boire du dieu des festins et de ses compagnons. "Your Hay it is mow'd'" est un moment de bonne humeur.

Henry Purcell (1659 - 1695) : un destin tragique

S'il était volontiers buveur et fêtard, Purcell connut une existence jalonnée de drames personnels dans une époque très troublée.

Sa naissance, en 1659, coïncide avec la chute de Cromwell qui sera suivie d’une restauration et d’une libéralisation des arts. Le père de Purcell, maître de chapelle à Westminster, et son oncle, sont tous les deux choristes de la chapelle royale. Henry et son frère seront choristes très jeunes. Le père meurt en 1664. La peste, le Grand incendie de Londres de 1666, tout cela marquera le compositeur et explique en partie la veine sombre et introvertie de son oeuvre. Querelles religieuses aussi : quand il se mariera à une catholique, il devra jurer devant témoins sa fidélité à l’église anglicane.

Purcell, qui fut marqué par de très nombreux deuils (il perdit successivement plusieurs enfants en bas âge) et par la mort qui rôdait alentour, utilisa avec force la rhétorique de la mort et du deuil dans son œuvre.

De fait, très doué et sincère dans ses oeuvres traitant de la souffrance et du trépas, Purcell fut appelé à composer une Marche pour les obsèques de la reine Marie le 5 mars 1695. Sa marche sera au cinéma par le compositeur Wendy Carlos, dans le générique du film Orange mécanique de Stanley Kubrick (1972).

Musique religieuse

Comme il est au service de Charles II (il a seulement 18 ans) et que le monarque a introduit les violons à l’église, Purcell composera pour les violons. Ce qui lui impose d’accompagner les anthems (motets) à la manière des grands motets.

En 1679, Purcell devient organiste de Westminster, poste qu’il occupera toute sa vie.

Te Deum : publié par sa veuve en 1697, le Te Deum de Purcell resta longtemps apprécié. C’est le premier Te Deum en langue anglaise. Peu à peu, il sera supplanté par les Te Deum de Haendel.

Le style original de Purcell

Purcell a tout d'abord emprunté à ses maîtres anglais. Puis il prend ses distances avec l’héritage national. Sa musique contiendra des imports venus de France et d'Italie.

Derrière les noms de mouvements de ses sonates, se cachent parfois des danses à la mode en France : menuet, gigue ou sarabande. Sur le modèle français, l’orchestre joue chez Purcell un rôle structurant et crée l’unité grâce à la symphonie d’introduction et aux ritournelles qui articulent les sections de l’œuvre.

La manière de Monteverdi est aussi présente avec les progressions des voix en duo ou en trio à intervalles de tierces et de sixtes.

Le style baroque : l’autonomie et la richesse exceptionnelle que Purcell donne à la basse continue, véritable pilier de la musique baroque, contribuent à l’originalité de son style. Didon et Enée (1689) est la seule œuvre de Henry Purcell réellement considérée comme un opéra baroque, les autres (The Fairy Queen, King Arthur, etc.) étant plutôt des semi-opéras ou des masks destinés à être joués au théâtre de par la présence de récitatifs.

1689 est une année charnière pour l'Angleterre comme pour Purcell.

A l'avènement de Guillaume III et Marie II Stuart, il recouvre officiellement ses fonctions de compositeur de la cour et d'organiste de la chapelle royale (le monarque précédent privilégiait les musiciens catholiques).

Surtout le théâtre se rouvre à la musique. La cour lui commande peu d'oeuvre. Le théâtre en revanche le sollicite beaucoup.

Purcell est chargé de la musique du couronnement cette année-là. Guillaume III, un protestant calviniste austère, apprécie fort peu la musique. Ce qui n'est pas le cas de son épouse qui commandera des oeuvres au compositeur. C'est peut-être en hommage à la reine que le chorégraphe Josias Priest et sa femme, directrice d'un pensionnat pour jeunes filles, demandent à Purcell de monter son opéra de chambre Didon et Enée avec les élèves de l'école.

Didon et Enée (1689)

L'oeuvre est considérée comme le premier opéra anglais véritable. Un opéra de cour d’après un modèle français. Le compositeur français Grabu met en musique le Didon et Enée de Dryden. Le compositeur Marc Antoine Charpentier, qui est au service de la princesse de Guise, compose de courts opéras de chambre entièrement chantés qui serviront de modèles aux compositeurs anglais. Pour Didon et Enée, Purcell joue sur des forts contrastes entre tragédie et comique. Ainsi, la scène grotesque des sorcières qui tranche avec la scène grivoise de marins.

Le douloureux lamento en sol mineur précédant la mort de Didon descend sur une sombre descente chromatique vers l’abîme, basse obstinée parmi les plus poignantes que Purcell a écrites. Ecouter "La Mort de Didon"

Le roi étant mort en 1685, la représentation de la pièce n’eut pas lieu. Après trois siècles, Didon et Énée, qui semble d'abord avoir été très populaire dans les cercles privés, n'a trouvé que récemment sa place dans un théâtre public (deuxième moitié du XXe siècle). De fait c'est un opéra de chambre, au caractère par nature plutôt intime, puisqu'il était destiné à une représentation scolaire. Purcell jouait lui-même du clavecin et les élèves du pensionnat exécutaient les danses que le compositeur avait rajoutées à l'opéra.

Dioclesian (Dioclétien) (1690)

Du nom d’un empereur romain. Purcell fixe les règles de l'opéra anglais ou semi-opéra comme l'appellera Roger North. Une ouverture à la française, grand orchestre à la française. Il ajoute des pièces musicales entre les actes.

John Dryden, qui jusqu'ici, préférait avoir recours à Grabu ou à Draghi, demanda à Purcell de mettre en musique son adaptation de l'Amphitryon de Molière. Dryden était réputé pour n'avoir aucune oreille et quand il comprit que la musique de Purcell dans Dioclesian était supérieure à celle de Grabu, il laissa tomber ses préjugés contre les musiciens anglais.

Dioclesian remporte un vif succès. Parmi les plus connus des airs de Dioclesian : "What shall i do to show her how much i lover her" (acte III), l'air du suivant de Cupidon, l'air virtuose "Sound, fame, thy brazen trumpet sound !" (acte IV).

Puis le poète lui confie King Arthur, qui sera composé après un voyage en Hollande avec Guillaume III, connaîtra un succès encore plus grand.

Fairy Queen (1692) (« la Reine des fées »)

Le plus long et le plus coûteux des semi-opéras de Purcell est inspiré de "A Midsummer Night's Dream" (Le Songe d'une nuit d'été) de Shakespeare. Son évolution vers une écriture vocale de plus en plus complexe l'amène à recruter des chanteurs hautement compétents plutôt que des comédiens sachant chanter. La qualité musicale de Fairy Queen est supérieure à celle de tous les autres opéras de Purcell. Mais certains y voient un recul par rapport à King Arthur, parce que les scènes musicales sont enfermées dans des masques au lieu d'être intégrées à l'action. La musique ne fait plus avancer l'intrigue. Thomas Betterton, l'auteur, n'a pas changé seulement le titre de Shakespeare, il a aussi changé l'ouvrage (texte original retaillé et ré agencé). Mais chacun des cinq masques est relié par son thème à la pièce de Shakespeare.

Ecouter "If love's a sweet passion", extrait de Fairy Queen

« The Indian Queen »

En 1694, Thomas Betterton quitte le théâtre royal à cause des pratiques frauduleuses de son directeur. Il fonde un théâtre à lui, le roi lui ayant accordé une licence. Ce théâtre rebelle attire les meilleurs chanteurs, ce qui nuit à Purcell, contraint de rester au théâtre royal. Il doit revoir ses rôles à la baisse pour son semi-opéra « The Indian Queen ».dont les représentations sont reportées. Il recrute des enfants. Daniel Purcell, le frère du compositeur, fait ses débuts de compositeur avec la musique du masque final de « The Indian Queen ».

Aucun compositeur baroque n’a su aussi bien qu'Henry Purcell coller à la musique de sa langue natale. C'était là le secret de Purcell pour une juste rhétorique. Grand amoureux de la musique italienne, il regretta toujours de ne pas avoir été instruit en italien.