L’art du maître Giotto

Giotto (1267 - 1337) perpétua l'art bysantin dans le respect du monument. Il peint ses scènes en utilisant les maisons en loggias et en balcons qui font penser aux miniatures byzantines. Il rompt nettement avec l'art byzantin en tirant un trait sur les stéréotypes répétitifs alors dominants, comme les baldaquins en forme de coupoles. Et surtout en donnant la prééminence aux sentiments humains sur l'architecture, parfois au détriment des rapports d'échelle entre personnages et édifices. Il donne à ses personnages une physionnomie toute personnelle avec leurs mains en fourchettes, leurs yeux cernés d'ombre...Avec lui, les visages deviennent humains et, par conséquent, expressifs.

Car c'est par le visage que Giotto fait passer l'expression. La lumière ne sert qu'au relief des visages ; elle ne projette pas d'ombre d'un personnage sur l'autre. A la place, l'intensité du regard, la joie, trouvent écho d'un visage à l'autre.

Un révolutionnaire pour son époque

Le passage de la manière grecque de peindre à la manière moderne est dû à Giotto. Si bien que Giotto démoda son maître Cimabue, pourtant lui-même novateur et porteur de l'art traditionnel à son apogée. Il suffit pour s'en apercevoir de comparer, par exemple, la "Vierge aux anges" de Cimabue (ici sur le site du Louvre ) à la "Madone Ognissanti" de Giotto.

Dans le premier cas, nous voyons des draperies à arètes sèches, des personnages placés les uns derrière les autres aux visages ovales et plats, tous identiques, et qui nous regardent.

Au contraire, Giotto donne du volume aux anges. Il met de la profondeur : les anges sont placés de façon à donner une perspective. De même ; leurs regards convergent vers le centre. Giotto personnalise : chaque personnage a une physionomie qui lui est propre.

Giotto, ami intime de Dante

La gloire de Giotto de son vivant fut si considérable que Dante Alighieri fit entrer le peintre dans son Purgatoire :

"Credete Cimabue nella pittura, tener lo campo,
ed ora ha Giotto il grido,
si che la fame di colui è oscura."

("Cimabue crut dans la peinture tenir le champ, et Giotto à présent a le cri, si bien que la gloire de l’autre est obscure.") (Dante, Purgatoire chant XI, 94/96)

Entrer de son vivant dans une oeuvre de cette importance de la Comédie ne pouvait qu'amplifier la notoriété et le prestige de Giotto.

Mais Dante n'est pas aussi compréhensif envers d'autres : le pape Boniface VIII, qui soutenait Giotto, fut envoyé en Enfer (au 8ème cercle dans la « Bolge » de ceux qui, contre argent, ont trafiqué des choses saintes : les simoniaques). De même, le père d'Enrico Scrovigni, lequel passa commande à Giotto des fresque de sa chapelle, fut voué au 7ème cercle de l'Enfer dans le chant XVII de la Divine comédie. En tant qu'usurier sans scrupules.

1 - La basilique Saint-François à Assises (vers 1290 )

cycle complet

La basilique d'Assise Saint-François de la ville d’Assise en Ombrie (Italie), construite en 1228, deux ans après la mort de Saint-François, est sur deux niveaux. Les fresques de la vie de saint François couvrent les murs de la nef de l'église supérieure de la basilique.

L'église a été décorée en partie par Cimabue, le maître de Giotto. On a fait appel à ce dernier pour la partie supérieure de l'église. Il doit peindre 28 scènes. Il est aidé par d'autres peintres.

Si Giotto suit à la lettre la "Légende majeure" de François d'Assise écrite par Bonaventure, il rompt avec la tradition picturale byzantine. Il humanise les personnages, épure le décor. François, cannonisé deux ans après sa mort redevient homme. Sa peinture se distingue de ce qu’on appelle la « maniera graeca », c’est-à-dire le style byzantin, dans lequel les figures ont l’air de flotter dans un univers céleste où baigne une lumière dorée irréelle. Ses personnages à lui sont bien ancrés dans un environnement terrestre. Ils sont naturels.

Voir ci-contre la "Confession de la femme de Bénévent" : effets de transparence métallique à la manière de celle de Cimabue. Voir "Madone Rucellai" (1285).

On estime que Giotto - qui travaillait probablement à Assise vers 1290 - a peint le cycle de la « Vie de saint François » vers cette époque. Cette datation antérieure repose sur les différences de style notables entre les fresques d'Assise et celles de Padoue, que l'on ne peut expliquer que par un long intervalle temporel. A Assise, on sent le style de son maître Cimabue : angelots tronqués à moitié se terminant par un pan de draperie (selon le style du 13ème siècle).

Différences entre les oeuvres de Giotto et celles de Cimabue :

Dans la basilique d'Assise, les oeuvres de Giotto se détachent de celles de Cimabue par leur meilleur état et les retouches moindres. En effet, Giotto utilisait la méthode dite des "journées" : le crépi ne couvrait que la zone pouvant être peinte dans la journée. La couleur pénétrait plus profondément dans le crépi frais.

Autre différence : alors que la peinture de Cimabue et des autres peintres de l'époque étaient à deux dimensions, celles de Giotto étaient à trois dimensions. Grâce aux trompe-l'oeil, aux articulations architecturales fictives : faux soubassements, plafonds à caissons, colonnes torses...Cette conception de l'espace est une nouveauté : bien que connue des Anciens, elle avait été perdue au cours du Moyen-Age.

Giotto humanise et personnalise les personnages

Il représente des édifices de son temps et introduit des personnages laïcs avec les habits de l'époque. Cette idée sera reprise. Tout comme sera reprise sa conception pierreuse des paysages par les autres peintres et ce jusqu'au début du XVème siècle. Des roches sacrées ! Giotto représente en effet les rochers d'Alvernia où Dante le mena, là où François d'Assise se retira et reçut du Christ ses marques célestes.

La représentation de face des personnages était la coutume surtout depuis Théodose et jusqu'à la fin du XIIIème siècle. Les personnages sacrés sont toujours peints de face. Sont pris de profil les personnages mauvais ou accessoires. Même quand ils se regardent, c'est de face : la tête penchée vers l'autre. Giotto change les règles !

Quelques scènes :

"Rêve du palais avec les armes" : quasi trompe-l'oeil de la couverture. De même dans "Le Songe d'Innocent III".

"La confirmation de la règle" est un excellent exemple de l'application de la conception de l'espace de Giotto. Les moines sont disposés de sorte à donner de la profondeur. Avant Giotto, la disposition des saints était horizontale.

"La vision des chaises" : ici encore, Giotto utilise le procédé du trompe-l'oeil avec ces chaises (trônes des apôtres) suspendues dans le vide.

"François chasse les démons d'Arezzo" : Giotto peint une cité idéale aux couleurs chaleureuses, malgré les lignes sèches et les angles aigus.

Gioto réalise aussi pour la basilique quatre voûtains peints en raccourcis représentant les docteurs de l'Eglise avec, pour la première fois, un rendu exact de la polychromie des marbres incrustrés.

2 - La chapelle Scrovigni ou chapelle de l'Arena à Padoue (1303 - 1306)

La chapelle fut édifiée par le fils du banquier Scrovigni, un banquier méprisable que Dante envoie au 7ème cercle de l'Enfer dans le chant XVII de la Divine comédie.

Les peintures représentent les scènes de la vie de Joachim et d'Anne, les scènes de la vie de la Vierge, les scènes de la vie du Christ. Toutes ces scènes sont inspirées de la "Légende dorée" (1264) de Jacques de Voragine. Le peintre à fresque doit peindre d'un seul jet car le mortier sèche en trois heures. A l'image de son modèle François d'Assises, Giotto se montre proche du peuple et ne recherche pas les regards admiratifs.

Dix ans après sa mort, Boccace dira de lui qu'il peignait pour les sages au contraire d'autres peintres qui peignaient plutôt pour les ignorants. François n'est pas le saint ascétique de la tradition du XIIIème siècle ; il est bien ancré dans la réalité.

Peu de mouvement. Décor très dépouillé. Giotto a l'art de réduire les images à leur essence.

Retour au christiannisme primitif, rupture avec l'esthétisme byzantin. L'idéalisation a cédé la place au récit : les hommes dans leur contexte terrestre avec leurs émotions, leurs souffrances.

- les 6 épisodes de Joachim et Anne :

Ces épisodes racontent comment Joachim fut chassé du temple parce qu'il n'avait pas d'enfant, comment Anne reçut l'annonce de l'ange qu'elle aurait un enfant. Joachim fait un sacrifice que Dieu accepte. Il rêve d'un ange qui lui annonce la naissance de Marie, née de sa femme Anne. Il rentre à Jérusalem.

Premier tableau : "Joachim chassé du temple". Puis Joachim accueilli par des bergers.

Dans "le rêve de Joachim", la montagne s'incurve pour épouser le mouvement de l'ange et crééer un rapprochement entre l'être céleste et Joachim.

"L'Annonce de l'ange à Sainte Anne" : les figures sont à l'étroit dans la maison qui n'est pas à l'échelle. Sainte-Anne frôlerait le plafond en se levant ! L'ange semble entrer par force par la fenêtre. Sous l'escalier, une jeune fille file la laine. Ce personnage simple, banal, est représenté avec soin (voir le drapé de sa robe). Ce n'est peut-être pas une coïncidence : Giotto avait lui-même appris le métier de la laine...

- quelques autres scènes bibliques  :

"La Fuite en Egypte" : paysage rocheux mais tendre et d'une luminosité presque diaphane. Le profil de la Vierge est particulièrement soigné.

"Le Massacre des innocents" : c'est le seul épisode de la chapelle Scrovigni dans lequel apparaissent deux architectures au lieu d'une seule (à cause de la contrainte liée aux espaces réduits).

"Le Baptême du christ" : erreur manifeste : si le Christ est immergé jusqu'à la taille, les autres personnages auraient dû aussi être dans l'eau.

- Giotto peint aussi les allégories des vices et des vertus. Parmi les vices sont rangés la folie ainsi que le désespoir (représenté par une femme pendue).

"Le Jugement dernier" (voir tous les détails de la fresque ici) : cette grande fresque est peuplée d'un nombre considérable de personnages. Au sommet, deux anges enroulent les cieux comme si c'étaient un parchemin. Au bas de la fresque est insérée une dédicace représentant Enrico Scrovigni agenouillé devant la Vierge à qui il montre la chapelle d'Arena. Ce sont des vêtements d'époque.

Il s'agit là du premier portrait de la peinture occidentale. Quelques dizaines d'années plus tard, le portrait autonome naîtra avec le peintre Simone Martini.